Cierra el ciclo de exposiciones de la Sala temporal del MUG 2025, la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, que coincide con el homenaje que este año se ha rendido a los ciento veinte años del nacimiento de Carlos Hermosilla Álvarez (1905-1991), quien constituye la matriz inicial de la colección del Fondo de las Artes de la Universidad de Playa Ancha y del inicio de la enseñanza del grabado en dicha escuela, labor que desarrolló desde 1939 hasta 1973, año en que fue exonerado. La continuidad de la enseñanza del grabado en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, con posterioridad a Hermosilla, fue realizada por Roberlindo Villegas y Marco Antonio Sepúlveda. Actualmente la docencia está a cargo de Renata Sagredo y Gerardo Saavedra, quienes además de representar un cambio generacional son representativos de las transformaciones de la práctica del grabado en las últimas décadas. De lo cual dan cuenta las obras seleccionadas. En el caso de Sagredo se expone una serie de xilografías que construyen un relato cuya iconografía de carácter figurativa da cuenta de la actividad agraria: siembra, riego, poda y cosecha. De modo que la serie está estructurada como una secuencia narrativa. En tanto Saavedra exhibe dos módulos o secuencias de iconografía abstracta, una la serie Habitáculo en que juega con la composición de la espacialidad con sentido modular y la otra serie Reconocimiento metafísico del yo cuyas imágenes se pueden asociar con una borradura de rostros, ambas son monotipo. Otro elemento relevante que retener en el correlato de la sala temporal del Museo Universitario del Grabado: Matrices de enseñanza, es que hemos aprendido que el grabado, de ser considerado una “historia menor”, en su desarrollo en las diferentes prácticas expuestas, se da cuenta que es parte de una “historia mayor” que invita a revisar los modos en que se ha escrito la historia del grabado.

Un título es siempre una invitación a la lectura; en este caso, a observar a un personaje y su entorno. La exposición Carlos Hermosilla Pai(s)aje es, en primer lugar, un homenaje a los ciento veinte años de su nacimiento. A la vez, celebra el cuarto aniversario del Museo Universitario del Grabado de la Universidad de Playa Ancha, institución que se constituye a partir de la donación de obra realizada por Hermosilla a nuestra casa de estudios, cumpliendo así el sueño de un gabinete de estampa que, con el tiempo, se materializó.  La palabra paisaje funciona aquí como un campo semántico: país – pasaje. Por ello, en la Sala Carlos Hermosilla del MUG, a través de un ejercicio de colección, se presenta una pequeña antología de su obra. Se incluyen dibujos, litografías, xilografías y otras técnicas del grabado que permiten recorrer distintos pasajes de la evolución de su trayectoria. Su iconografía alude a personajes, lugares y acontecimientos, configurando, en ese sentido, un paisaje.  Asimismo, se incorpora documentación que da cuenta de sus viajes, correspondencia y fotografías, construyendo otro modo de representar su paisaje biográfico y cultural.  El seguimiento y puesta en valor de la obra de Carlos Hermosilla ha sido parte de diversas publicaciones, tales como Carlos Hermosilla, artista ciudadano. Adelantado del arte de grabar de Hugo Rivera (editor), José de Nordenflycht, Justo Pastor Mellado y Alberto Madrid (2003), y Taxonomía crítica: Los grabados de Carlos Hermosilla de Jorge Martínez (2023).  Revisitar a Hermosilla es, en definitiva, seguir activando su memoria como matriz del grabado, reconociéndolo como un actor fundamental en el desarrollo de esta disciplina tanto a nivel local como nacional, formando parte esencial de la historia del grabado chileno

Matrices de enseñanza: Departamento de Arte de la Facultad de Arquitectura, Artes y Diseño. Universidad Católica de Temuco Dentro de las características de la práctica y enseñanza del grabado, destaca que esta es descentralizada, a diferencia de la pintura y escultura, cuya historia se narra desde el centro. En esta ocasión, la exposición tiene como correlato Matrices de enseñanza, que corresponde a un espacio de formación universitaria regional –Temuco- quienes exponen son Daniel Lagos, Daniela Pritzke y Paula Vergara, académicos artistas de la institución más arriba mencionada. Lo que se expone tiene que ver con el territorio y representación de la naturaleza, en este caso, son tres miradas que en su traslado se transforman en paisaje. Lo del traslado coincide con la práctica del grabado en su producción, un boceto o directamente se dibuja una imagen que se traslada a la matriz, lo cual luego debe pasar por la prensa. Con otro traslado, se obtiene en el papel la estampa y su edición.

En este caso Lagos, Pritzke y Vergara trasladan la naturaleza que, traducida en imágenes, corresponden a la mirada pintoresquista (Lagos), la morfología y orografía (Vergara) y como las estampas de las ilustraciones de la enciclopedia de los naturalistas (Pritzke). En términos de caligrafías, Lagos resalta la línea de la xilografía y el color, Vergara la huella y contraste y Pritzke el dibujo.  Ciertamente la naturaleza se ha tornado un motivo de urgencia y su representación colabora a su cuidado. De algún modo siguiendo la tradición, se graba para fijar y recordar.  Otro elemento a retener en el correlato de la sala temporal del Museo Universitario del Grabado: Matrices de enseñanza, es aprender que el grabado, de ser considerado una “historia menor” en su desarrollo en las diferentes prácticas expuestas, se vuelve parte de una “historia mayor” que invita a revisar los modos de cómo se ha escrito sobre esta práctica artística. 

El guion curatorial para el año 2025 de la Sala Temporal del MUG es Matrices de enseñanza. Inaugurando este nuevo ciclo contamos con el artista y académico Nelson Plaza, quién imparte docencia en la Facultad de Arte de la Universidad de Chile, además es el jefe de la carrera de Artes Visuales. Propone la bajada de título Pequeñas y Grandes Canciones a modo de una edición, ya que las obras seleccionadas corresponden a diferentes momentos de su producción.

 La exposición dialoga con la colección permanente del MUG a modo de una constelación, ya que una obra de Nelson Plaza está expuesta. Las obras se organizan en series, que tienen como nexo el procedimiento de la cita, que hacen referencia a la historia del arte, a modo de ejemplo la serie de la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, que corresponde a la pintura de Rembrandt. De igual modo se pone de manifiesto la iconografía de Goya, Velásquez, entre otras.  Las matrices de las estampas que utiliza Nelson Plaza van desde el metal característica de la calcografía, la seda de la serigrafía y la piedra de la litografía que son técnicas tradicionales del grabado. Donde son resignificadas desde la contemporaneidad en las operaciones gráficas, sobre el tratamiento de las superficies, en la superposición de planos donde es clave el dibujo y el color. En las series de Plaza existe un elemento que se reitera que es el autorretrato, en que el artista relata su experiencia del taller, que da cuenta de su vocabulario visual en cómo incorpora la figura de la modelo, como ya se ha mencionado la cita, en este caso los diccionarios y enciclopedias entre otros elementos le sirven de referencia.  

En la continuidad del correlato Matrices de enseñanza de la Sala Temporal, en esta ocasión participan académicas/os artistas de grabado de la Facultad de Artes de la Universidad Finis Terrae: Cristián Abelli, Francisca Brante, Marcela Illanes, María Angélica Mirauda, Sebastián Palma, Natasha Pons, Pedro Sánchez y Alberto Zamora. En el guion curatorial del Museo Universitario del Grabado se encuentran las obras de dos artistas, que desarrollaron la docencia en los inicios de la carrera de Licenciatura en Arte Teresa Gazitúa y Guillermo Frommer, de modo que la actual exposición establece un diálogo en constelación, al modo de leer de Jorge Luis Borges. Las obras que se exponen son representativas de las técnicas del grabado: xilografía litografía, serigrafía, aguafuerte, grabado verde, entre otras, tanto en el aprendizaje de la tradición de la práctica del grabado como su experimentación. De igual modo la iconografía de las estampas es figurativa con indicios de abstracción. En el recorrido de las obras se pueden apreciar objetos, personajes, aves, que dan cuenta de una dimensión de lo cotidiano. Se podría caracterizar como una gran síntesis, donde lo común en las imágenes es la línea y la mancha, como el claroscuro y el uso del color. También la exposición da cuenta del estado en que se encuentra el desarrollo de la práctica del grabado en el sistema del arte chileno, que tradicionalmente se ha considerado como una “historia menor”. Lo que se contradice con su presencia y circulación, siendo clave en la formación de la enseñanza del arte en los distintos espacios de formación.

El guion curatorial para el año 2025 de la Sala Temporal del MUG es Matrices de enseñanza. Inaugurando este nuevo ciclo contamos con el artista y académico Nelson Plaza, quién imparte docencia en la Facultad de Arte de la Universidad de Chile, además es el jefe de la carrera de Artes Visuales. Propone la bajada de título Pequeñas y Grandes Canciones a modo de una edición, ya que las obras seleccionadas corresponden a diferentes momentos de su producción.

 La exposición dialoga con la colección permanente del MUG a modo de una constelación, ya que una obra de Nelson Plaza está expuesta. Las obras se organizan en series, que tienen como nexo el procedimiento de la cita, que hacen referencia a la historia del arte, a modo de ejemplo la serie de la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, que corresponde a la pintura de Rembrandt. De igual modo se pone de manifiesto la iconografía de Goya, Velásquez, entre otras.  Las matrices de las estampas que utiliza Nelson Plaza van desde el metal característica de la calcografía, la seda de la serigrafía y la piedra de la litografía que son técnicas tradicionales del grabado. Donde son resignificadas desde la contemporaneidad en las operaciones gráficas, sobre el tratamiento de las superficies, en la superposición de planos donde es clave el dibujo y el color. En las series de Plaza existe un elemento que se reitera que es el autorretrato, en que el artista relata su experiencia del taller, que da cuenta de su vocabulario visual en cómo incorpora la figura de la modelo, como ya se ha mencionado la cita, en este caso los diccionarios y enciclopedias entre otros elementos le sirven de referencia.  

La exposición tiene un título metonímico en el sentido que en su designación se establece una relación de contenido y continente, en este caso el territorio es Valparaíso y lo que se expone son imágenes de este. El corpus de obras que se exhibe se puede dividir en dos asentamientos Uno son las obras que dan cuenta de una práctica folclórica urbana que es la Cueca Chora. Dos son las que representan la topografía y fisionomía de la ciudad. La ciudad de Valparaíso tiene una larga tradición como imaginario que se registra en canciones, poemas, película, pinturas, entre otras prácticas artísticas. Ahora Ibáñez nos presenta su mirada e imaginación de ella. José María Ibáñez realiza sus obras en la técnica del grabado de la xilografía (matriz de madera). La cual permite una semantización con la toponimia de Valparaíso, con la iglesia San Salvador de la Matriz la cual es parte del inicio del poblamiento de imágenes; me refiero al libro de Alonso Ovalle Histórica Relación del Reino de Chile (1646) el que publica estando en Roma, el cual era una especie de guía de Chile para los futuros evangelizadores con datos de flora, fauna, geografía. Otro evangelizador, pero de la enseñanza del grabado es Carlos Hermosilla. En el montaje de las obras en una exposición siempre está implícito un relato, en el de Ibáñez imagina la ciudad con elementos que son icónicos de ella: una nave, cerros, escaleras, quebradas, personajes que recuerdan lo que decía Neruda que en Valparaíso se entra a las casas por las ventanas. De modo que la exposición se puede considerar como una nueva edición del imaginario de Valparaíso, en que Ibáñez traza su mirada y la estampa.

En el Museo Universitario del Grabado de la Universidad de Playa Ancha una obra de Guillermo Frommer (1953-2017) se encuentra expuesta en el muro de la Universidad de Chile y el TAV (Taller de Artes Visuales), el guion curatorial del montaje se organiza desde la noción de matriz teniendo en consideración los espacios institucionales universitarios

Guillermo Frommer luego de formarse en el exterior específicamente en Canada Universidad de Ottawa, y en el Ontario College of Arts en Toronto, la que complementa en el Tamarin Institute, Universidad de Nuevo México en Estados Unidos. Llega a Chile con posterioridad al Golpe Cívico Militar y se integra al Taller de Artes Visuales en el que se agrupan algunos de los académicos exonerados de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile (Luz Donoso, Pedro Millar, Francisco Brugnoli, Virginia Errazuriz ,entre otros), el cual se transformara en una lugar de enseñanza, de producción de ediciones y de reflexión. Al revisar su desarrollo en el tiempo se puede constatar que en él se producen una serie de actividades en relación con el grabado que han sido consignadas como los Desplazamientos, del grabado, así como la acción de arte de Carlos Leppe Prueba de Artista (1981), la presentación del libro como edición de Fallo Fotográfico (1981) de Eugenio Dittborn, el Seminario Ensayo de la coyuntura plástica (1983) de Justo Pastor Mellado, entre otros

De modo que la trayectoria de Guillermo Fromme está vinculada en su condición de artista docente, en establecientes universitarios:  Universidad Arcis, Universidad Mayor y en donde la ejercía al momento de su fallecimiento Facultad de Arte de la universidad Fines Terrae. En la cual enseño algunas de las técnicas del grabado como litografía y serigrafía

Las imágenes de sus grabados se podrían caracterizar como lituralizadas con ello sé quiere indicar que resalta la presencia de la cita literaria, la cual el mismo Frommer ha explicitado entre otras referencias la presencia de Leopoldo Marechal porque “hace una literatura que mezcla drama. Filosofía y humor. Algo similar a lo que empieza a pasar en mi trabajo”. Lo cual se puede hacer extensivo al modo como compone según el recurso del collage, mediante la mezcla de procedimientos gráficos como desde la técnica tradicional de la litografía incorpora imágenes digitales, fotocopia, entre otros recursos.

La exposición Crónicas del Derrotero Australis de Carlos Damacio Gómez en el marco del correlato Historias recuperadas se inscribe en el recurso de la cita que se refiere a la mítica ciudad de los Césares ubicada e imaginada en el territorio austral del país (Patagonia). La que ha sido objeto de representaciones tanto en las palabras como imágenes. En el caso de Gómez desde la práctica del grabado utilizando la matriz de metal (grabados al aguafuerte) como una superficie en la que investiga, imagina y explora: habitantes, acontecimiento, mapas, bestiarios, entre otros elementos. El grabado en su origen funciona como una fuente de documentación

De modo que su trabajo corresponde a una resignificación e imaginación de un territorio siendo repensado contemporáneamente desde la interculturalidad, para problematizar la convivencia de comunidades indígenas y colonos en la disputa material y simbólica de su representación en diferentes momentos de su poblamiento.

Su práctica artística se podría caracterizar como etnográfica en el sentido de explora las posibilidades del grabado como visualización de relatos. Se debe tener presente que Carlos Damacio Gómez es artista y docente de la práctica del grabado, por ello lo que expone es resultado de una investigación. Haciendo uso de una técnica tradicional del grabado como el aguafuerte (el que  data desde el siglo XVI) la cual la utiliza como un dispositivo de huella y memoria para reimaginar la geografía del fin del mundo como se designaba en las crónicas de viaje.

La exposición Guillermo Núñez Henríquez Homenaje es parte del correlato del guion Historias recuperadas. Nos pareció pertinente realizar este homenaje en atención a su legado que dejo en el Fondo de las Artes de nuestra casa de estudio y como artista representativo de la práctica del grabado.

La trayectoria de la obra gráfica de Guillermo Núñez se desarrolla en diferentes momentos de su obra, tales como el denominado serigrafimos de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile en la década de los setenta, donde además durante 1971- 1972 fue Directo del Museo de Arte contemporáneo y durante su gestione se instituyo el Premio Artista del Pueblo que en 1971 lo recibió Carlos Hermosilla.

Las obras que se exhiben corresponde a una selección que precisamente dan cuenta del denominado serigrafismo específicamente a la década del setenta en que esta la presencia de la cita y el uso del grafismo en la escritura y a las producidas con posteridad al Golpe cívico militar de 1973. En que recupera la vivencia cuando fue prisionero político. De ahí el uso del dibujo como huella, en su carácter de registro.

Tal como sea indicado la selección de obra es representativa del grabado, pero se debe tener presente que parte importante de la obra de Núñez es también significativa en la pintura. La cual inicialmente estuvo asociada al imaginario Pop, pero con un componente político.  También en su iconografía la presencia del cuerpo adquiere diferentes connotaciones

Como reconocimiento a su trayectoria Núñez en el año 2007 recibió el Premio Nacional de Artes Plástica